Le cinéma et les Français, entre passion et regard critique – Anwesha Biswas

by

Designation – Lecturer, Department – French, Affiliation – Syamaprasad College, Kolkata.

Email – anwesha.sept9@gmail.com

 

Abstract

France is the cradle of cinema. France is proud of its heritage, and this is still evident today: the French love going to the movies, and Paris and small towns across the country have many cinemas even in the digital age, in addition to film clubs and film festivals that underline the importance of cinema. The film institute of the Cinémathèque française in Paris is revered; the Cannes Film Festival is the most important film festival in the world. According to some critics, French cinema has experienced its golden age. Through this study, I will attempt to analyze that the future of French cinema is not bleak, as a glimmer of hope still remains, perhaps in the form of a little firefly at the end of each tunnel. This study has three aspects; first I will discuss the origin of cinema, then I will analyze the relationship between cinema and the French, and finally I will add my impressions and points of view on this study. This study also shows the deep and historical relationship between cinema and France, tracing the birth of the seventh art and its evolution through the different eras of French cinema. Finally, it offers a personal reflection on the contemporary transformations of cinema in the face of the rise of new technologies and digital platforms. Despite current challenges, cinema remains deeply rooted in French life and identity, suggesting a future still full of hope and renewal.

 

Keywords; French cinema, Seventh art, Cannes Film Festival, History of cinema, French culture, Digital age, Cultural identity.

 

L’introduction

 

Le terme « film » est couramment appliqué à l’art des images en mouvement; un médium visuel qui raconte des histoires et expose la réalité. Alors que le terme « cinéma » désigne un lieu conçu pour la projection de films. Dans différents pays et cultures, le même médium artistique est connu et populaire sous un nom différent. Cependant, la plupart des gens comprennent que cinéma et film sont les mots utilisés pour le même moyen de divertissement. Les films ou le cinéma font partie intégrante de nos vies, et la plupart d’entre nous ne faisons aucune différence entre les deux et utilisons les termes de manière interchangeable comme s’ils signifiaient la même chose. Cependant, ils ont quelques différences. Le Cinéma comme l’art des images en mouvement; un médium visuel, il vient du cinématographe français qui est utilisé pour désigner l’appareil qui projette un film sur un écran. Ce mot français, à son tour, est dérivé du mot Grec « kinein », qui signifie bouger. Le cinéma est considéré comme la forme d’art la plus récente au monde. Elle est également considérée comme l’expression artistique la plus complexe, la plus collaborative et la plus coûteuse. Les deux premières versions de la caméra argentique ont été utilisées pour enregistrer les événements quotidiens.

 

Le Septième Art : la France et La naissance du cinéma

 

L’histoire du cinéma relate le développement d’une forme d’art visuel créée à l’aide de technologies cinématographiques qui a commencé à la fin du 19e siècle. L’avènement du film comme médium artistique n’est pas clairement défini. Cependant, la projection publique et commerciale de dix courts métrages des frères Lumière à Paris le 28 décembre 1895 peut être considérée comme la percée des films cinématographiques projetés. Il y avait eu des résultats cinématographiques antérieurs et des projections par d’autres, comme les frères Skladanowsky, qui ont utilisé leur Bioscop autodidacte pour montrer le premier spectacle d’images animées à un public payant le 1er novembre 1895, à Berlin, mais ils n’avaient ni la qualité, ni les moyens financiers soutien, endurance ou chance pour trouver l’élan qui a propulsé le cinématographe Lumière vers un succès mondial. Le Grand Café, Paris, décembre 1895, Les frères Lumière ont présenté les premiers films à un public payant. Il n’y avait que 33 personnes dans le public, et le film n’était guère spectaculaire (La Sortie de l’usine n’était qu’une vidéo d’ouvriers sortant d’une usine), mais, néanmoins, c’était la naissance du cinéma.

 

En réalité, l’histoire du cinéma commence un peu plus loin, et sur un autre continent, l’Amérique du Nord. Thomas Edison et son employé William Dickinson ont inventé le kinétoscope en 1891, l’appareil a été le premier du genre à montrer des images animées, et a donc ouvert la voie au développement du cinéma. Cependant, les images ne pouvaient être vues qu’à travers un judas, de sorte qu’une seule personne pouvait regarder à la fois.

 

Introduit au public en 1893, le kinétoscope est devenu très populaire sur le plan commercial, les «maisons d’images» étant mises en place avec plusieurs machines installées en rangées à utiliser. La machine se répandait même outre-Atlantique, avec des maisons de peinture installées à Londres et à Paris.

 

L’arrivée d’Auguste et de Louis Lumière met le kinétoscope en action presque immédiatement avec la création du cinématographe, la machine de cinéma qui chante et qui danse. Il permettait non seulement de voir des images, mais il imprimait également des films et, surtout, projetait l’image pour que tout le monde puisse la voir. Avec le lancement du cinématographe, le cinéma tel que nous le connaissons a commencé à se répandre comme une traînée de poudre, se révélant extrêmement populaire auprès du public et également sur le plan commercial, des sociétés se créant pour produire des films à projeter dans les cinémas. Les films sont devenus plus longs et plus complexes, le son étant ajouté en 1927 grâce au système Warner Brothers Vitaphone.

 

L’Europe, notamment la France, était au cœur du cinéma. Avec d’autres options de divertissement limitées, le cinéma était la forme de divertissement la plus populaire dans les années 1930 et 1940, et il a même été utilisé pendant la Seconde Guerre mondiale comme moyen de transmettre d’importants messages de sécurité publique par les puissances alliées et de l’Axe. Le cinéma était véritablement au cœur de la société européenne, même s’il restait intellectuel et parfois difficile à suivre.

 

Encore une fois, la France est au cœur d’une révolution cinématographique de 1959 à 1965, avec l’émergence de « la nouvelle vague. C’était un nouveau type de cinéma, nettement moins intellectuel et plus représentatif de la vie ordinaire. De nombreux acteurs-réalisateurs comme François Truffaut changent définitivement de cinéma, utilisant de nouvelles techniques comme le tournage hors studio pour la première fois. En 1965, le mouvement de la nouvelle vague s’estompait, mais le cinéma consistait plus que jamais à raconter des histoires et à représenter la vie de personnes réelles, ce qu’il ne fallait pas oublier.

 

À partir des années 1970, l’essor d’Hollywood signifiait que l’industrie cinématographique française commençait à s’estomper, devenant l’industrie de niche qu’elle est aujourd’hui. Mais, sans ses racines françaises, Hollywood ne serait pas ce qu’elle est aujourd’hui. Les frères Lumière ont créé la mécanique du cinéma, et la “nouvelle vague” a créé le style moderne de la narration – les deux éléments clés du cinéma moderne.

Quelques géants du cinéma français

[ La source de ces images – Wikipédia ]

 

L’amour pour Cinéma chez les Français

 

Les français ont un lien fort avec le cinéma. Dans la partie précédente on a déjà évoqué comment le cinéma mondial a pris naissance chez les français. Maintenant, dans cette partie, on discutera étape par étape de l’évolution et de l’amour pour le cinéma chez eux. On peut bien diviser les phases du cinéma français en quelques périodes magnifiques ; Les Débuts (1895-1919), L’ère du muet (1920-1929), L’ère des géants (1930-1939), Les Années des ténèbres (1940-1948), Une parfaite nuance de gris (1949-1959), Le Nouvelle vague (1959-1969), Polaires et politique (1970-1979), Chute et essor du cinéma français (1980-1999), L’ère de l’Autuer (2000-)

 

Des pionniers du grand écran au nouveau réalisme d’aujourd’hui, les réalisateurs français ont façonné le cinéma dans le monde entier. La France peut, à juste titre, prétendre avoir inventé tout le concept de cinéma. Les historiens du cinéma appellent L’arrivée d’un train en gare de La Ciotat, le film de 50 secondes des frères Lumière projeté pour la première fois en 1895, la naissance du médium. Mais le pionnier le plus connu, qui a réalisé des films avec une sorte de valeur narrative chérie, était Georges Méliès, dont le court métrage Un voyage sur la lune de 1902 est généralement présenté comme le premier film de science-fiction et un point de repère dans les effets spéciaux cinématographiques. Pendant ce temps, Alice Guy-Blaché, l’ancienne secrétaire de Léon Gaumont, est largement oubliée aujourd’hui, mais avec des films comme L’enfant de la barricade traîne le statut de première femme cinéaste.

La réalisation imposante du cinéma français à l’ère du muet était sans aucun doute le biopic de six heures d’Abel Gance sur Napoléon (1927), qui, comme de nombreuses productions à grande échelle de l’époque, a eu une histoire ultérieure agitée. Grâce en grande partie aux efforts de l’historien du cinéma Kevin Brownlow, une version restaurée de 330 minutes – complète avec la finale à trois projecteurs de l’original – peut être vue occasionnellement; mais comme Gance avait initialement prévu un cycle de six films, dont seul le numéro un a été achevé, nous n’aurons jamais qu’une fraction de ce qui était prévu. Mais le Belge Jacques Feyder n’est pas en reste avec les extraordinaires L’Atlantide (1921) et Visages d’enfants (1925). Et l’effervescence artistique de la France d’avant et d’après-guerre s’est fait sentir au cinéma, avec un formidable foisonnement de courts métrages d’avant-garde. Parmi les titres phares, citons A Propos de Nice (1929) d’influence soviétique de Jean Vigo, Ballet mécanique dadaïste de Fernand Léger (1924) et deux chefs-d’œuvre surréalistes : Le Coquillage et le Clergyman de Germaine Dulac (1928), avec un scénario d’Antonin Artaud, et la collaboration Buñuel/Dali Un Chien Andalou (1929).

Les premières années sonores ont vu une explosion de talents. Le dramaturge Marcel Pagnol met en scène des adaptations de ses célèbres pièces marseillaises, d’abord Marius (1931), puis Fanny (1932) et enfin César (1936), qu’il met lui-même en scène. René Clair a réalisé la comédie musicale Sous les toits de Paris (1930). Mais la période appartient vraiment aux pionniers du « réalisme poétique » – Vigo, Jean Renoir, Julien Duvivier et Marcel Carné. Les chefs-d’œuvre abondent dans l’entre-deux-guerres : la satire scabreuse Zero de Conduite (1933) de Vigo est suivie du lyrique L’Atalante (1934). Tragiquement, ce fut son dernier film, car il succomba à la tuberculose la même année, à seulement 29 ans. La carrière de Renoir décolle avec Boudu Sauvé de la noyade (1932), puis produit une série de films brillants jusqu’à l’éclatement de la seconde guerre mondiale. guerre : Un jour à la campagne (1936), Le Crime de Monsieur Lange (1936), La Grande Illusion (1937), La Bête Humaine (1938), et sans doute le plus grand de tous : La Règle du Jeu (1939). Duvivier a pesé avec le fil de gangsters algérien Pépé le Moko (1937), tandis que Carné a également anticipé le noir à l’américaine avec Quai des Brumes (1938) et Le Jour se Lève (1939). Mais Carné, sans doute, les a tous surpassés avec Les Enfants du Paradis (1945) ; Tourné pendant l’occupation nazie, le mélodrame romantique se déroulant dans le monde du théâtre du XIXe siècle est devenu un symbole de l’identité culturelle nationale lors de sa sortie finale.

Le bouleversement causé par la guerre voit l’avant-garde reprendre le dessus, avec le minimaliste Journal d’un curé de campagne de Robert Bresson (1951) et La Belle et la Bête (1946) et Orphée (1950) de Jean Cocteau. (Les fans de Matrix remarqueront peut-être d’où ils ont emprunté leur idée de miroir liquide.) Le travail de Cocteau a également donné une chance à une nouvelle génération en la personne de Jean-Pierre Melville, qui a été engagé pour réaliser une adaptation des Enfants Terribles (1950 ). Ce n’est peut-être pas un hasard si une nouvelle génération de critiques de cinéma politiquement radicaux grandit, encadrée par André Bazin aux Cahiers du Cinéma. Leur travail a directement contribué au succès explosif de la Nouvelle Vague française à la fin des années 1950 : des critiques comme François Truffaut, Jean-Luc Godard et Claude Chabrol ont directement porté leurs idées à l’écran. Les 400 coups (1959) de Truffaut et A bout de souffle (1960) de Godard sont à l’avant-garde, mais la Nouvelle Vague déclenche une décennie et demie d’éclat, avec une profusion de brillants cinéastes associés au mouvement – Alain Resnais, Agnès Varda, Jacques Demy, Louis Malle, Eric Rohmer. Pendant ce temps, Melville, qui avait prospéré à l’ère de la Nouvelle Vague, achève une trilogie de chefs-d’œuvre à la fin de la décennie : Le Samourai (1968), Army in the Shadows (1969) et Le Cercle Rouge (1970).

Après avoir marqué de son empreinte une myriade de cinémas nationaux européens, et enfin Hollywood à la fin des années 1960, la Nouvelle Vague française commence enfin à s’essouffler ;

La Nouvelle Vague est un mouvement de cinéma d’art français qui a émergé à la fin des années 1950. Le mouvement se caractérise par son rejet des conventions cinématographiques traditionnelles au profit de l’expérimentation et d’un esprit iconoclasme. Les cinéastes de la nouvelle vague ont exploré de nouvelles approches du montage, du style visuel et de la narration, ainsi que de l’engagement avec les bouleversements sociaux et politiques de l’époque, utilisant souvent l’ironie ou explorant des thèmes existentiels. La Nouvelle Vague est souvent considérée comme l’un des mouvements les plus influents de l’histoire du cinéma.

 

Le terme a été utilisé pour la première fois par un groupe de critiques de cinéma et de cinéphiles français associés au magazine Cahiers du cinéma à la fin des années 1950 et 1960. Ces critiques ont rejeté la Tradition de qualité du cinéma français grand public, qui mettait l’accent sur l’artisanat plutôt que sur l’innovation et les œuvres anciennes plutôt que sur l’expérimentation. Cela était apparent dans un essai semblable à un manifeste de François Truffaut en 1954, Une certaine tendance du cinéma français, où il dénonçait l’adaptation d’œuvres littéraires sûres en films sans imagination. Aux côtés de Truffaut, un certain nombre d’écrivains des Cahiers du cinéma sont devenus des cinéastes de premier plan de la Nouvelle Vague, dont Jean-Luc Godard, Éric Rohmer, Jacques Rivette et Claude Chabrol. La communauté cinématographique associée de la rive gauche comprenait des réalisateurs tels qu’Alain Resnais, Agnès Varda, Jacques Demy et Chris Marker.

 

Utilisant un équipement portable et nécessitant peu ou pas de temps d’installation, la façon de faire du cinéma de la Nouvelle Vague présentait souvent un style documentaire. Les films présentaient des sons directs sur des pellicules nécessitant moins de lumière. Les techniques de tournage comprenaient un montage fragmenté et discontinu et de longues prises. La combinaison du réalisme, de la subjectivité et du commentaire de l’auteur a créé une ambiguïté narrative dans le sens où les questions qui se posent dans un film ne trouvent finalement pas de réponse.

 

Le réalisme a fait son grand retour dans les années 1990, principalement à travers La Haine de Mathieu Kassovitz, mais l’influence dominante de la génération suivante a sans doute été Jean-Pierre Jeunet qui, avec Delicatessen (1991) et Amélie (2001) a mis au point une réponse gauloise à le style influencé par la bande dessinée de Sam Raimi, Terry Gilliam et Barry Sonnenfeld. Ces dernières années, Jacques Audiard est sans doute devenu l’auteur le plus respecté de France, avec Le battement que mon cœur a sauté (2005) et Un prophète (2010).

Dans la partie précédente on a discuté de l’évolution et des différentes époques du cinéma français. Maintenant on va jeter un œil sur l’amour que les français ont toujours porté à l’industrie du cinéma français. Plusieurs études et sondages disent que les Français vont plus au cinéma que les autres Européens. Sarah Drouhaud, directrice de la communication au CNC, a déclaré : « On peut se féliciter que malgré la crise actuelle, le cinéma reste la sortie culturelle préférée des Français. Rappelons qu’avant le début de la crise, les entrées annuelles au cinéma en France s’élevaient à plus de 213 millions. »

« En 2021, nous avons connu une baisse due à la fermeture des cinémas durant les premiers mois de l’année, mais la fréquentation, avec 96 millions d’entrées, reste toujours la plus élevée d’Europe. » — L’une des raisons pour lesquelles l’industrie est restée si dynamique est le niveau de soutien dont elle bénéficie, selon Lisa Nesselson, présidente de l’Académie des Lumières, composée de membres de la presse internationale et créée en 1995 pour célébrer le cinéma français.

« Il y a beaucoup de festivals et de programmes pour les enfants dès l’âge de six mois parce que les Français se sont arrêtés pour penser ‘Eh bien, d’où viendront les cinéphiles du futur ? », a déclaré Mme Nesselson.

En effet, le cinéma est intégré dans la vie d’un enfant dès le début, y compris pendant la scolarité.

Les affiches de certains films français célèbres

[ La source de ces images – Wikipédia ]

 

Une analyse subjective

 

Le cinéma et la France ont toujours été complémentaires. Le cinéma du monde a pris naissance en France, donc le lien entre la France et le cinéma ressemble plus à une mère et son enfant. La France a traversé différentes époques avec son industrie cinématographique, c’est-à-dire que l’industrie cinématographique française a parcouru un long chemin mais les français n’ont jamais quitté la main de leur cinéma. Peut-être que le lieu a changé car après l’arrivée de la télévision, la salle de cinéma française a été tuée pour la première fois et aujourd’hui le média numérique comme OTT a mis la salle de cinéma dans son lit de mort. Oui, je suis d’accord que les salles de cinéma sont en danger mais ce scénario n’est pas seulement en France mais partout dans le monde surtout après la pandémie. De nos jours, la vie est devenue si rapide que les gens n’ont pas assez de temps pour aller dans les salles de cinéma, au lieu de cela, les petits écrans comme les ordinateurs portables ou mobiles règnent partout.

 

Le grand écran est détrôné. Mais le goût du cinéma n’est pas encore sorti du quotidien. Les salles de cinéma peuvent perdre leur essence, mais pas le film. Comme l’a dit Godard, Le géant du cinéma, Le cinéma n’est pas un art qui filme la vie : le cinéma est quelque chose entre l’art et la vie. Donc le cinéma ou l’art est synonyme de vie et la vie ne peut jamais s’effacer, elle est toujours vibrante. Le film est à la fois une évasion et un chemin qui nous ramène à la réalité donc cet élément magique sera toujours là tant qu’il y aura un esprit humain conscient de l’esthétique. L’être humain n’est pas encore un robot à part entière et le film n’a donc pas encore perdu son charme.Et la France est cet artiste qui a donné vie à cet art, donc le cinéma est intégré à la vie française. Comme une mère ne peut jamais se détacher de son enfant ainsi pour la France qui ne peut jamais couper son cordon ombilical avec son septième art.

 

Les réalisateurs français ont toujours su perfectionner l’art du spectacle. Des histoires d’amour et des comédies aux films familiaux, les cinéastes créatifs parviennent souvent à marcher sur la corde raide entre les films sérieux et divertissants. Créer des moments légers et amusants dans des drames émouvants est un véritable art et les Français l’ont bien compris.

En définitive, ce qui fait de Paris la capitale du cinéma, c’est l’appréciation et la curiosité parisienne pour les films ; l’infrastructure cinématographique de classe mondiale qui existe à Paris ; et la capacité exceptionnelle de la ville à faire prospérer sa culture cinématographique en encourageant et en récompensant la production nationale. Le cinéma a été inventé en France, et le pays reste à ce jour un fief du septième art. La France parvient aussi à se réinventer progressivement sur le plan artistique. La Nouvelle Vague a servi de modèle à de nombreux mouvements cinématographiques dans le monde. À ce jour, la génération de réalisateurs comprenant Jean-Luc Godard, François Truffaut et Claude Chabrol est considérée comme la révolution cinématographique la plus fertile de l’histoire du cinéma. La France se nourrit toujours de sa réputation de cinéma innovant, et à juste titre.

 

La Conclusion

Pour conclure, on peut bien dire que le cinéma est intégré à la vie française. Comme une mère ne peut jamais se détacher de son enfant ainsi pour la France qui ne peut jamais couper son cordon ombilical avec son septième art. C’est la raison pour laquelle tous les publics du monde peuvent trouver le moyen d’aimer le cinéma français. Il existe un grand nombre de façons de puiser dans le septième art en France. Donc à la fin il me faut conclure dans une note d’espoir que Les Français préservent le septième art à plus d’un titre, tout en restant tournés vers l’avenir. Divers critiques croient que la période de gloire est passée mais le cinéma français n’est pas encore sur son lit de mort , il est encore essoufflé donc on attend une autre nouvelle vague qui peut le redynamiser. On peut donc terminer cette étude à ce point optimiste que; « Si l’hiver frappe à la porte, le printemps pourrait-il être bien en arrière ?  »

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Bibliographie

  • Bazin, André. Qu’est-ce que le cinéma ? Paris : Éditions du Cerf, 1958.
  • Bresson, Robert. Notes sur le cinématographe. Paris : Gallimard, 1975.
  • Cocteau, Jean. Le Cinématographe. Paris : Stock, 1973.
  • Gaudreault, André, et Philippe Marion. La Fin du cinéma ? Un média en crise à l’ère du numérique. Paris : Armand Colin, 2013.
  • Gauthier, Christophe. La Cinéphilie : invention d’un regard, histoire d’une culture. Paris : CNRS Éditions, 2013.
  • Jeancolas, Jean-Pierre. Histoire du cinéma français. Paris : Armand Colin, 2011.
  • Marie, Michel. La Nouvelle Vague : une école artistique. Paris : Nathan, 1997.
  • Sadoul, Georges. Histoire générale du cinéma. Paris : Denoël, 1946–1954.
  • Truffaut, François. « Une certaine tendance du cinéma français ». Cahiers du cinéma, no 31, 1954.
  • Cinémathèque française. Histoire et patrimoine du cinéma français. Paris, archives et documents institutionnels.

Sources en ligne